"Art" de Yasmina Reza Étudier une pièce de théâtre. La jouer

Yasmina Reza

Quelques éléments biographiques

Yasmina Reza (page wikipedia ici) reste très discrète sur sa vie. Un flou volontaire persiste autour de sa date de naissance (entre 1956 et 1964, a priori 1959 selon la page wikipedia). Elle est née de parents juifs cosmopolites : son père, moitié russe moitié iranien, ingénieur des Ponts et Chaussées, se lancera ensuite dans les affaires. Sa mère, hongroise, est violoniste. Elle arrête de jouer à la naissance de sa fille. Yasmina Reza obtient une licence de sociologie et d’étude théâtrale, échoue au Conservatoire, poursuit un temps le projet d’être comédienne en s’inscrivant au cours de Jacques Lecoq, avant de se consacrer pleinement à l’écriture. Celle-ci concerne autant le théâtre que des récits.

Le théâtre de Yasmina Reza

La pièce Conversations après un enterrement, dont l’écriture faisait suite au dépit de ne pas avoir été prise au Conservatoire, est créée en 1987 et vaut à Yasmina Reza le Molière du meilleur auteur. Après le succès critique de cette pièce, Yasmina Reza écrit La Traversée de l’hiver, montée en 1989, et L’Homme du hasard, qu’elle ne parvient pas à faire monter et dont la création aura lieu en 1995, après le succès de « Art ». « Art » marque le triomphe du théâtre de Yasmina Reza en même temps que sa révélation au grand public. Créée en 1994, la pièce reçoit deux Molière : celui de meilleur spectacle privé et celui de meilleur auteur. Elle est alors montée partout dans le monde et traduite dans une vingtaine de langues.

Mais si cette pièce paraît moins renvoyer à la dimension intime qui caractérise les autres pièces de la dramaturge, elle s’inscrit quand même dans un parcours d’écriture visant à la mise au jour des mécanismes indicibles qui règlent les relations affectives. Trois Versions de la vie, en 2000, est créée simultanément à Athènes, Vienne et Londres, puis à Paris. Luc Bondy, qui s’était chargé de la mise en scène à Vienne, participe à la création de Une pièce espagnole en 2004, que Yasmina Reza adapte au cinéma en 2009 sous le titre de Chicas avec entre autres Emmanuelle Seigner et André Dussollier.

S'ensuit en 2007 Le Dieu du carnage, qu'elle met en scène en 2008 avec Isabelle Huppert, André Marcon, Valérie Bonneton et Éric Elmosnino. La pièce sera adapté au cinéma par Roman Polanski sous le titre Carnage en 2011 (César de la meilleure adaptation). La même année paraît Comment vous racontez la partie, montée l'année suivante, puis Bella Figura (2015), Anne-Marie la Beauté (2020) et dernièrement James Brown mettait des bigoudis, monté au Théâtre de la Colline en 2023.

Romans, scène, essais et cinéma

L’œuvre de Yasmina Reza ne se cantonne pas au théâtre. Elle publie en 1997 Hammerklavier, un recueil de récits autobiographiques, puis, en 1999, Une désolation, un premier roman qui se vend à plus de cent mille exemplaires. Suit un second roman en 2003, Adam Haderberg (rebaptisé ensuite Hommes qui ne savent pas être aimés en 2009), puis Dans la luge d'Arthur Schopenhauer (2005), Heureux les heureux (2013), Babylone (2016, Prix Renaudot) et Serge (2021).

On peut aussi évoquer Nulle Part (2005), à dimension autobiographique, et Récits de certains faits (2024), recueil de chroniques judiciaires. Ou encore L'Aube le soir ou la nuit (2007), essai qui retrace la campagne électorale de Nicolas Sarkozy qu'elle a suivi à partir de l'automne 2006.

Elle participe à des projets cinématographiques de son compagnon, Didier Martiny, en tant qu’actrice et co-scénariste dans Jusqu'à la nuit (1985, avec Pierre Arditi et Patrice Kerbrat) et Á demain (1992), et en tant que scénariste dans Le Pique-nique de Lulu Kreutz en 2000.

Elle fait en parallèle différentes apparitions en tant que comédienne, aussi bien dans des mises en scène de ses propres pièces, comme dans Trois Versions de la vie (2000) montée par Patrice Kerbrat, ou dans des films comme Loin (2001) d’André Téchiné.

Prix et récompenses

Molière

• 1987: Molière de l'auteur pour Conversations après un enterrement
• 1995 : Molière de l'auteur pour « Art »

Tony Award

• 1998: Tony Award de la meilleure pièce pour « Art »
• 2009 : Tony Award de la meilleure pièce pour Le Dieu du carnage (God of Carnage)

Laurence Olivier Award de la meilleure comédie (Laurence Olivier Award for Best New Comedy) :

• 1997 : « Art »
• 2009 : Le Dieu du carnage (God of Carnage)

Prix de l'Académie française

• 1997: Prix de la nouvelle de l'Académie Française pour Hammerklavier
• 2000 : Grand prix du théâtre de l’Académie française

Autres Prix

• 2007 : Grand prix de littérature Henri-Gal pour l'ensemble de son œuvre
• 2010 : ACE Award de la meilleure pièce (pièce en langue espagnole)
• César 2012 : César de la meilleure adaptation pour Carnage
• 2013 : Prix littéraire du Monde (catégorie roman français) pour Heureux les heureux
• 2013 : Prix Marie-Claire du roman féminin
• 2016 : Prix Renaudot pour Babylone
• 2020 : Prix Jonathan-Swift (humour et satire)
• 2024 : Prix mondial Cino-Del-Duca

Quelques repères sur l’art contemporain

Avec la présence physique de l’Antrios sur scène, la question de l’art, et plus précisément de l’art contemporain, se révèle incontournable pour saisir les différents enjeux autour desquels se construisent les antagonismes dans cette pièce. Ainsi, l’œuvre d’art, et sa figuration symbolique à travers l’Antrios, sont à appréhender dans le contexte de la création plastique du XXe siècle et dans les débats esthétiques que celle-ci a engendrés.

L’Antrios apparaît clairement comme une toile non figurative, par opposition aux toiles de Marc et, certainement, d’Yvan. Elle relève d’une forme de prolongement de l’abstraction à travers son statut de monochrome. Mais ce monochrome blanc réclame un discours sur lui-même pour être compris et apprécié, à défaut de pouvoir revendiquer une immédiate jouissance visuelle de la part du spectateur. Il glisse donc ainsi vers la démarche de l’art conceptuel.

FIGURATIF, ABSTRAIT ET CONCEPTUEL

Comprendre l’art contemporain, ou plutôt l’art contemporain tel qu’il est présenté dans « Art », réclame une exploration de la peinture moderne, c’est-à-dire post-impressionniste. Le mouvement qui s’effectue au XXe siècle est celui d’un glissement du figuratif à l’abstrait, ce dernier débouchant sur un art dit conceptuel. Très schématiquement, la représentation passe de la figuration où un objet est représenté dans un cadre, à l’abstraction, où cet objet se retire du lieu de représentation, de la toile, pour n’y laisser que des formes et des couleurs, pour enfin aboutir au conceptuel, où l’accent est mis sur la démarche du spectateur en interrogeant le cadre lui-même de la représentation, soit en l’ôtant complètement (les ready-made de Marcel Duchamp) soit en l’altérant (les toiles déchirées de Fontana).

Le règne de la figuration sur une toile d’un objet concret, référencé, est mis à mal dans la période qui précède la Première Guerre mondiale. L’abstraction commence à apparaître à travers certains mouvements comme le cubisme (Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger), celui des fauves (Henri Matisse, André Derain), ou les démarches d’artistes comme Marcel Duchamp, Gustav Klimt ou Vassily Kandinsky. Le sujet se retire de la toile pour ne plus y laisser que formes et couleurs.

L’art non figuratif s’épanouit pleinement après la Première Guerre mondiale. Le surréalisme, regroupant dans les années 1920 Salvador Dali, Juan Miro, ou encore Max Ernst, en constitue par exemple un aspect qui laisse encore parfois part à la figuration. L’abstraction proprement dite prend alors différents aspects à travers d’abord l’abstraction géométrique (Vassily Kandinsky, Paul Klee, Piet Mondrian) dans l’entre-deux guerres, puis l’abstraction lyrique, mouvement essentiellement américain qui acquiert une visibilité au lendemain de la Seconde Guerre mondiale à travers notamment l’Action painting (peinture gestuelle) de Jackson Pollock, ou le Color field painting (abstraction chromatique) de Mark Rothko. Les toiles deviennent des ensembles de figures géométriques, des lieux d’entrelacs de lignes et de courbes semble-t-il aléatoires, ou de grands aplats de couleurs.

Cette abstraction pure qui paraît se défaire également de la composition se prolonge dans les années 1960 à travers un art dit « minimal », puis « conceptuel ». Ces mouvements visent la disparition de l’objet d’art comme centre de la relation esthétique. Pour Robert Morris, « L’objet n’est plus qu’un des termes de la relation qui met en présence l’objet lui-même, l’espace dans lequel il se trouve, la lumière qui l’éclaire, et la situation du spectateur qui y est confronté ». Ainsi, le rapport au spectateur devient purement intellectuel.

LE MONOCHROME

Le monochrome, au sein de ce paysage, apparaît une forme de transition entre l’abstraction et le conceptuel, malgré les distinctions que Serge tente d’instaurer (p. 242). Cette forme d’art ne constitue pas un mouvement, ou une école, mais plutôt un ensemble de tentatives d’artistes tout au long du siècle. Cette histoire du monochrome doit être combinée aux usages du blanc dans la peinture abstraite pour cerner le champ visé par la pièce.

Dès 1917, Casimir Malevitch crée une toile intitulé Carré blanc sur fond blanc qui mêle monochrome et abstraction géométrique. Cette toile constitue une icône de la peinture du siècle et entre à ce titre en résonance avec l’Antrios de la pièce. Yves Klein, avec la mise au point et la présentation en 1958 du pigment du bleu qui porte son nom (IKB, pour International Klein Blue), constitue pleinement ce que l’on nomme le monochrome, peignant entièrement ses toiles de ce bleu.

Ces deux grandes figures tutélaires de l’art abstrait sont à combiner avec d’autres références en lien plus direct avec l’Antrios de la pièce. Ainsi, des artistes comme Robert Ryman ou Martin Barré ont proposé une œuvre qui s’apparente à celle, de fiction, d’Antrios tel qu’il est présenté dans la pièce. Robert Ryman, dès la fin des années 1950, peint des monochromes blancs, comme d’autres à l’époque (Antoni Tàpies), mais en s’attachant aux matériaux dont ses œuvres sont composées et en prolongeant la recherche autour de ces blancs, créant des effets de matière et de nuance. Il réfléchit également sur les limites de la toile, jouant sur les surfaces mêmes sur lesquelles elle doit reposer. Cela rappelle d’une part la polémique autour des couleurs de l’Antrios dans la pièce et d’autre part la question du cadre de la toile, « confectionné par l’artiste » avec du kraft, car le tableau « ne doit pas être arrêté », et être pris dans un « entourage » (p. 216). Rappelons qu’une rétrospective a été consacrée aux œuvres de Ryman en 1981 au musée Georges Pompidou à Paris et qu’une autre avait eu lieu à New York au Museum of Modern Art en 1993, soit un an avant la première représentation de « Art ». En France, Martin Barré, décédé en 1993, a produit une œuvre proche de celle de Ryman. Travaillant sur le blanc comme fond sur lequel les compositions de couleurs sont sans cesse remaniées, il produit des œuvres dont l’aspect et le rayonnement ont pu directement inspirer la figure de l’Antrios dans « Art ».